Творчество Маревны
Художница из небольшого города на Волге, Маревна, вошла в историю мирового искусства, прежде всего, как та, с чьих холстов смотрят на зрителя главные действующие лица Парижской школы.
Жизнь художницы была полна интересных событий: дикое детство, путешествие на Капри, учеба в Москве, переезд в Париж в двадцатилетнем возрасте. Маревна не совершила открытий в искусстве, не нашла оригинальной творческой манеры, но оставила, кроме картин, три книги воспоминаний о богемной молодости в Париже, о встречах с прославленными деятелями искусства своего времени.
Уже когда Марии было четыре года, отец был уверен в её таланте и говорил своим друзьям, что она будет художницей. В это время она уже "черкала карандашом и марала красками бумагу". В годы учебы ее работы постоянно выставлялись на школьных выставках. На них были изображены ведьмы, черти и чудовища, прообразы которых она видела в своих учителях и самой себе.
Творческий путь художница начинает в 1907-1908 годах. Юная Мария занимается в Тифлисской школе изящных искусств. Детские впечатления от византийских росписей и орнаментов в средневековых храмах, грузинского народного искусства впоследствии отразятся в ее работах прикладного характера. В 1910 Воробьева-Стебельская уезжает в Москву и начинает заниматься в Строгановском училище, но не заканчивает его. Впечатлительные и экзальтированную художницу притягивали и восхищали новейшие западные течения в искусстве, ее манит Париж.
Значительным этапом для Маревны становится поездка на Капри – здесь она знакомится с Максимом Горьким в колонии писателей и художников. М. Горький сказал художнице: «Поедете в Париж – угорите», ведь в Париже 1912 года было трудно не растеряться: уже знаменит Пикассо, еще работает в Живерни Клод Моне, Аполлинер возвещает о появлении орфизма, итальянские футуристы впервые показывают свои работы в Париже. Дерзкое новаторство буквально становится классикой искусства. Предсказание Горького не сбылось: сразу по приезду Маревну заметили – несколько ранних работ экспонировалось в Салоне Независимых в 1913 году, а вскоре полицейский комиссар Леон Замарон (в его коллекции были работы Сутина, Утрилло, Модильяни, Кремень) и Кан, повышавший репутацию художницы среди галеристов и маршанов, начал коллекционировать произведения художницы
В Париже учится в Русской академии у скульптора С.Ф.Булаковского и в академии И.Сулоаги и Ф.Коларосси. Попадает в знаменитую интернациональную коммуну "Улей", знакомится с Х.Сутиным, А,Модильяни, Г.Апполинером, М. Шагалом и многими другими. Пабло Пикассо обещает научить её рисовать "не хуже, чем Мари Лорансен". Попадая под их влияние, Маревна начинает активно использовать в своих работах приёмы кубизма: "секущие" линии и плоскости, органично выстроенные геометрические конструкции.
Маревна М. Грузинский танец, 83х65 см, 1913. Доска, масло. Частное собрание.
Своеобразным откликом на события Первой мировой войны являются небольшие работы "Солдат и женщина в противогазах" (1917) и "Солдат и подружка" (1917). На полотнах в кубистической манере персонажи изображены театрально-торжественно восседающие на креслах, в жутких масках-противогазах на головах. Молодая художница осмысливает идеи и приемы, найденные гораздо более талантливыми мастерами "парижской школы" из ее окружения. Дисгармония пропорций, использование блеклой цветовой гаммы, однотонный задний фон, отсутствие глубины- можно сказать, что работы раннего периода характеризуются поиском форм.
Маревна М. Солдат и подружка, 18х16 см, 1917. Бумага, сдублированная на холст, акварель. Частное собрание.
Знакомство с темпераментным мексиканским художником Диего Риверой, прозванным "диким индейцем" в 1915 году впоследствии переросло в любовь. Нет сомнения, что он помог овладеть Маревне многими профессиональными тайнами, рассказал о своем понимании смысла и пластики кубизма. Под влиянием Риверы Маревна научилась видеть природу и предметы в особом ракурсе, любовь художницы к искусству становилась глубже и осознаннее. Ривера утверждал, что кубизм имеет свое начало в учении великого французского художника - Сезанна.
В своих мемуарах художница подчеркивает, что, когда она делала первые шаги в живописи, ее восхищал и интересовал кубизм, она считала, что он придает живописи новое измерение, поскольку в импрессионизме, который предшествовал кубизму, структура не играла такой роли. Маревна шла вслед за Сезанном, который оставил импрессионизм и начал изучать структуру композиции у художников кватроченто и у Джотто, в его творчестве явно чувствуется влияние этих мастеров. Для художницы структура имеет огромное значение, хотя она никогда не отказывалась от своего пуантилистического стиля.
Спустя несколько лет Ривера возвращается в Мексику. Для Маревны наступили тяжелые времена, ее картины еле продавались. Маревна продолжает заниматься не только живописью - она осваивает ручное ткачество, делает пояски, расписывает шали, работает на известного парижского кутюрье Поля Пуаре и дом моды "Ирфе" (созданной княжеской четой Феликсом и Ириной Юсуповой).
После Первой мировой войны художница обращается к пуантилизму - отнюдь не новому течению в искусстве (его основатель Ж.Сера умер еще в 1891 году), но кубизм уступал свое место сюрреализму и фигуративному искусству. Маревну пуантилистический метод привлекал ясной логикой, ведь он соединял в себе основательность и поэзию, напоминал яркие византийские мозаики Грузии и Италии. Она удачно соединила приемы кубизма и пуантилизма, что видно на небольшой картине "Плакальщицы" (1920). Несмотря на скудную палитру, зритель полностью проникается переживанием героинь. Многочисленные цветные точки чистых оттенков гармонируют с кубистической структурой и формой в "Спящем ребенке с яблоком" (1925), придавая этой работе спокойствие и масштабность.
Маревна М. Спящий ребенок с яблоками, 42х61 см, 1925. Доска, масло. Частное собрание.
В 1936 году Маревна с дочерью переехала на юг Франции, где жила на Лазурном берегу в Ницце, Жуан-ле-Пене, Каннах. Средиземноморская насыщенность цвета заметно отразилась в работах этого периода. Привлекает внимание ярким колоритом экзотический персонаж в красном головном уборе на портрете "Сенегальский солдат" (1936). Для портретов Маревны этого времени характерны портреты погрудные, где голова занимает большую часть холста, а задний фон чаще всего - переливающийся, однотонный.
Маревна М. Сенегальский солдат, 73х54 см, 1936. Холст, масло. Частное собрание.
Обнаженная фигура появляется в 1940-х годах, одной из значимых работ этого периода можно считать "Обнаженную с виноградом" (1940), напоминающую "Большую обнаженную" А.Модильяни. Интересным кажется решение на заднем фоне изобразить лесную чащу. Вскоре у художницы появляются самостоятельные пейзажи, объединенные одним мотивом - тропа. Будь это "Пейзаж в Провансе" (1942), где тропа ведет сквозь изломленные деревья вглубь леса, или "Сен-Поль де Ванс" (1942), где сквозь поле зритель попадает к замку.
Маревна М. Пейзаж в Провансе, 40х31 см, 1942. Холст, масло. Частное собрание.
Маревна М. Сен-Поль де Ванс, 25х19 см, 1942. Холст, масло. Частное собрание.
Экспозиция ряда светлых и сентиментальных пуантилистических картин - "Дети" (1940), "Марика с голубой вуалью" (1942), "Натюрморт с виноградом" (1943) - порой нарушались тревожными, с трагическими оттенками кубистическими полотнами: "Плакальщицы на желтом" (1954), "Плакальщицы на зеленом" (1954).
Маревна М. Плакальщицы на желтом, 91,5х73,5 см, 1954. Холст, масло. Частное собрание.
Не пересчитать сколько портретов за свою жизнь написала Воробьева-Стебельская: "Китайский рабочие" (1944), "За вязанием" (1946), "Шеф-повар" (1946). Для художницы было важно передать не только характер изображаемого, но и род его деятельности. Интересно, что в эти годы художница отделяет пуантилизм от кубизма, тем самым для каждого персонажа подбирая свою технику.
Маревна М. Китайские рабочие, 63х49 см,1944. Бумага, гуашь. Частное собрание.
В 1948 Маревна переселяется в Великобританию, которая вдохновляет ее на новую тему - портреты крестьян. Первые несколько лет 50-х годов она пишет "Крестьянку с серпом" (1952), "Крестьянин с козленом" (1953). В этих работах нет детальной прорисовки, абстрактный задний фон, светлая палитра.
Маревна М. Крестьянка с серпом, 97х78 см, 1952. Бумага, сдублированная на оргалит, гуашь. Частное собрание.
Писать портреты своих друзей-художников Воробьева-Стебелькая начала сразу после того, как крестьянская тема изжила себя. Сперва художница пишет множество отдельных портретов: портрет А.Матисса, О.Цадкина, Ж.Брака, иногда это портрет с антуражем - П.Пикассо держит в руках череп. А в самом начале 1960-х пишет самые знаменитые свои картины: три больших групповых портрета своих друзей с Монпарнаса, как дань памяти и уважения знаменитым деятелям культуры ХХ века. Эти работы не были датированы и до недавнего времени считались произведениями раннего "парижского" периода. Наиболее известная картина из этого своеобразного триптиха - "Друзьям с Монпарнаса посвящается".
Маревна М. Друзьям с Монпарнаса посвящается. Д.Ривера, Маревна с дочерью Марикой, И.Эренбург, Х.Сутин, А,Модильяни, Ж.Эбютерн, М.Жакоб, М.Кислинг, Л. Зборовский. 160х305 см, 1962. Оргалит, масло. Частное собрание.
В свой последний, "английский" период она продолжает активно работать в прежней манере, создавая спокойно-грустный и счастливый мир в заказном "Портрете супругов Терзаго" (1968), в "Пейзаже в Дофине" (1969), в веселом "Танце хасидов" (1970) и многих других работах. В 1971 году Оскар Гез, директор Фонда современного искусства в Женеве, знакомящий публику со всем диапазоном творчества художников Belle epoque, организовал большую ретроспективную выставку работ художницы.
Маревна М. Друзьям с Монпарнаса посвящается. Д.Ривера, Маревна с дочерью Марикой, И.Эренбург, Х.Сутин, А,Модильяни, Ж.Эбютерн, М.Жакоб, М.Кислинг, Л. Зборовский. 160х305 см, 1962. Оргалит, масло. Частное собрание.
Маревна М. Танец Хасидов на празднике Хануки, 127х152 см, 1970. Холст, масло. Частное собрание.
Скончалось "милое дитя Монпарнаса" 4 мая 1984 года в Лондоне. Персональные выставки Маревны прошли в Париже (1985), Сан-Франциско (1990), Лондоне (1992).
С 1912 года художница принимала участие во многих выставках: русского искусства в Лондоне (1921), Париже (1925); Международной (Париж, 1925); "Неоимпрессионизм" (Нью-Йорк, 1968), "Женщины-художницы Парижской школы" (Женева, 1975), "Безумные годы Монпарнаса" (Париж, 1979). Персональные выставки художницы прошли в таких городах, как Париж (1929, 1936, 1953,1985), Лондон (1952, 1977, 1980, 1992), Женева (1971).
Искусствовед Манеева Анна